Consejos para el calentamiento en danza

Se debe calentar para estimular que la sangre llegue a las estructuras que van a participar en el movimiento. El estiramiento se debe dejar para fases avanzadas de la clase o para después de la clase.

El calentamiento debe ir encaminado a que las cápsulas articulares de las articulaciones más comprometidas en los movimientos reciban sangre, se calienten y comiencen a ser lubricadas correctamente por el líquido sinovial, por ejemplo, la articulación glenohumeral (hombro), la coxofemoral (cadera), la rodilla, las articulaciones del pie y las intervertebrales, entre otras.

A continuación se debe conseguir aumentar la frecuencia cardíaca y que la sangre vaya haciéndose predominante en las estructuras musculares estriadas y en las articulaciones, es decir, aumentar el flujo de sangre que perfunde el músculo. De esta forma se consigue que se caliente y lubriquen las bolsas serosas que amortiguan los roces musculares o de las fascias y las prominencias óseas.

Para todo esto es fundamental mover gradualmente las articulaciones en todo su rango articular y sólo alcanzar los rangos máximos durante la clase.

En conclusión, se trata de poner el corazón a bombear a una frecuencia razonable para comenzar el ejercicio y así llegue la sangre en abundancia a todos los tejidos (es habitual que los bailarines comiencen el primer ejercicio de la barrar con el corazón a la misma frecuencia que en reposo) y además hará que los mecanismos de uso y disponibilidad de la energía que tiene el cuerüp estén ya en marcha y no comiencen bruscamente.

REVUELO. Sueños del aire hechos danza.

El domingo 23 de junio, asistí a la función del Ballet Juvenil TEMPO en el Centro Cultural Chacao donde presentaron diversas piezas de diversos coreógrafos.

He aquí una muestra de dicha función:

CISNE NEGRO
Interpretes: Julia Pacheco y Edelqui Cruz
Coreografía: Marius Petipa
Montaje: Mariela Delgado

PAS DE DEUX DIANA y ACTEON
Interpretes: Ana Carolina Faria y Gilberto Rodriguez
Coreografía: Agrippina Vaganova
Montaje: Mariela Delgado



PUNTO DE ENCUENTRO
Interpretes: Emili Galviz, Julia Pacheco y Juan Andres Paolini
Coreografía: Matias Goldin




















SHINIGAMI
Coreografía: Roberth Aramburo
Interpretes: Swizy Angulo - Vanessa Courlander - Edelqui Cruz -
Ana Carolina Faria - Maria Alejandra Faria - Mariana Fernandez -
Emili Galviz - Julia Pacheco - Juan Andres Paolino - Maria Fernanda Perez -
Claudia Ponce - Hans Prado - Andres Villarroel



PÉNDULO
Coreografía: Mariela Delgado
Interpretes: Vanessa Courlander - Edelqui Cruz - Julia Pacheco -
Juan Andres Paolini - Claudia Ponce - Hans Prado

Pinzamiento anterior del tobillo

Las 5 posiciones básicas del ballet suponen una máxima rotación externa de las caderas para alcanzar la correcta posición de los pies. Una inadecuada rotación externa de la cadera resulta en excesiva rotación externa de las rodillas y tobillos, caída del arco e inversión del tobillo para alcanzar la posición deseada.

La formación de osteofitos es secundaria a repetidos esguinces de tobillo o repetidos microtraumas (contacto entre el labio anterior de la tibia y el cuello dorsal del tarso) al hacer repetidas dorsiflexiones cargando peso (lo que ocurre durante el demi-plie y los aterrizajes de los saltos). Una vez formados los osteofitos, el espacio disponible para la dorsiflexion del tobillo disminuye resultando en pinzamiento de tejidos blandos, inflamación, hipertrofia y dolor.

Tratamiento conservador

Relativa limitación de la actividad como evitar saltar y no forzar el demi-plie combinado con corrección de la técnica para reducir la inversión del tobillo puede mejorar los síntomas de pinzamiento anterior en los bailarines.

La fisioterapia enfocada en las cadenas cinéticas, movilización articular y vendaje neuromuscular puede resolver los síntomas en algunos bailarines.

Cirugía

Está reservada para aquellos bailarines donde el tratamiento conservador haya fallado o si la radiografía inicial muestra pinzamiento óseo. Cualquier tejido hipertrofiado es desbridado junto con los osteofitos. Los cuidados post-operativos incluyen el uso de una tobillera Cryo-Cuff para controlar el edema y el dolor, alternándola con una bota removible durante la ambulación por 10-14 días. Durante la fisioterapia se incrementan gradualmente los rangos de movimiento y la fuerza muscular, enfocándose en los ejercicios propioceptivos. Los bailarines comienzan con Pilates, barra en el piso y vuelven a las clases gradualmente. Se les aconseja regresar a pleno rendimiento a los 6 meses.

Felicidades tardías por el día del maestro

Se puede ser las dos. Se debe ser las dos. Ser la que lo logra, ser la admirada, la que enseña cómo se hacen los movimientos, se debe ser la que enseña lo que sabe... Y, aunque se sea la primera, se debe ser también la segunda; la que aprende, la que no cree que lo ha visto todo, la que sabe que siempre hay algo que no sabemos, la que busca aprender algo nuevo.. el día que seas la admirada no olvides que siempre hay algo que puedes aprender de los que te admiran.

Kinesiología del ballet

Media punta: peso sobre las cabezas de los metatarsianos con hiperextensión de las articulaciones metatarsofalángicas de los cinco dedos.

Demi-plié: caderas y rodillas flexionadas, máxima rotación externa de cadera, rodilla y tobillo y extrema dorsiflexión del tobillo.

Trabajo de punta: extrema plantiflexión del tobillo y del hallux (dedo gordo) e hiperextensión de la articulación metatarsofalángica del hallux.

Existen tres criterios para la rotación externa funcional en los bailarines:
1. Mantener el centro de la rodilla sobre la línea media del pie: se limita la rotación tibial excesiva.
2. Mantener el mismo peso sobre ambos pies: se pretende limitar la rotación externa forzada en una extremidad inferior más que en la otra, especialmente en las posiciones cruzadas (tercera, cuarta y quinta posición de pies).
3. Mantener el peso uniformemente distribuido entre el calcáneo, la cabeza del primer metatarsiano y la cabeza del quinto metatarsiano: se pretende limitar la pronación de los pies.

Estos criterios están destinados a limitar la magnitud de la participación de la rotación externa de la cadera disponibles y para evitar los movimientos compensatorios no deseados en otras articulaciones.

5 cosas para mejorar las piruetas

1. Girar la cabeza al ritmo de la música.
2. Mantener la posición un poco más: no desmoronarse al acabarse la fuerza del giro, es decir, mantener la posición de los brazos, el passé y los abdominales y glúteos activados.
3. Mantener las caderas y hombros alineados desde el comienzo hasta el final de la pirueta.
4. Empujar la cabeza hacia el techo, meter las costillas, activar abdominales y glúteos, extender la rodilla y presionar la pierna de base contra el piso, todo al mismo tiempo.
5. Contar hacia atrás: en lugar de contar hacia el número deseado de piruetas, contar hacia atrás 3-2-1.

Vía: http://balletpages.blogspot.com

Ejercicios para ganar fuerza para el trabajo en puntas

EJERCICIOS SENTADOS
1. Sentado en una silla o en el suelo, doble las rodillas a 90 grados con los pies completamente apoyados en el piso. Mantenga una postura erguida con abdominales activados y hombros atrás y abajo. Empuje la punta de los dedos del pie contra el piso levantando solo los metatarsianos. Mantenga la posición durante 5 segundos. Suelte extendiendo los dedos de los pies hacia el suelo. Repita 20 veces y luego cambie de pie.

2. Extienda una toalla en el suelo a lo largo y en frente de usted. Coloque la almohadilla del pie en el borde más cercano de la toalla. Doble los dedos de los pies hacia dentro para ir recogiendo la toalla. Repita hasta que la toalla este completamente recogida. Extienda de nuevo la toalla y repita con el otro pie por lo menos 20 veces. Cuando esto resulte fácil, se puede añadir un peso (como una lata de cualquier contenido) al final de la toalla para que haga resistencia.

3. Ejercicio con liga: sentado con una pierna estirada frente a usted, abdominales activados y hombros atrás y abajo. Sostenga los extremos de la liga con ambas manos y coloque la almohadilla del pie en la mitad de la liga. A partir del pie en flex hacer media punta, punta, media punta, flex. Repeta 20 veces y luego cambie de pie.


EJERCICIOS DE PIE
1. Balance: párese sobre una pierna en paralelo con la otra pierna en coud de pie paralelo. Se debe sostener esta posición durante 10 segundos sin que la pierna de apoyo se mueva y sin caerse. Asegúrese de estar centrado sobre la almohadilla del pie, permitir que los dedos se extiendan uniformemente sobre el piso, mantener los abdominales activados y las caderas y hombros alineados. Repita 10 veces y luego cambie de pie.

2. Fortalecimiento: párese sobre una pierna en primera posición con la otra pierna en coud de pie atrás. Con las manos ligeramente colocadas en la barra, silla, pared o mesa baje y suba del relevé lentamente manteniendo la pierna de base extendida y la rotación hacia fuera de la cadera y rodilla de la pierna en coud de pie. Repita 20 veces y luego cambie de pie.

3. Con puntas: frente a la barra, párese sobre una pierna en paralelo con la otra pierna en coud de pie paralelo. Suba y baje de la punta pasando por media punta con la rodilla de la pierna de base totalmente extendida. Comience con 8 repeticiones y luego cambie de pie. Al ir avanzando hágalo 20 veces en cada pierna.

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Necesario para empezar el trabajo de puntas

EDAD: comenzar a trabajar en las puntas antes de que los músculos y los huesos sean lo suficientemente maduros como para manejar el estrés de estar en punta puede causar lesiones de larga duración. Se recomienda que la osificación de los huesos del pie sea de 85% antes de que un estudiante comience con el trabajo de puntas. Algunos profesionales de la salud consideran que 10 años es una edad segura para empezar con las puntas, sin embargo a los 11 o 12 años la placa de crecimiento del pie ha tenido más tiempo para desarrollarse por lo que pueden prevenirse lesiones en esta área tan sensible.

MADUREZ EMOCIONAL: esto va de mano con la edad. Los estudiantes deben ser emocionalmente maduros como para manejar el extra de disciplina, compromiso y responsabilidad que conlleva el trabajo de puntas como coser y pintas las cintas, además del dolor que causan las uñas encajadas y las ampollas.

DESARROLLO FÍSICO:

- Fuerza de los abdominales: para poder mantener la alineación correcta del cuerpo antes de subirse a las puntas. Esto significa que el torso no puede moverse mientras mantenemos el balance.

- Fuerza en las piernas: los estudiantes deben mantener las piernas totalmente estiradas durante el balance.

- Fuerza en los tobillos y alineación  los estudiantes deben ser capaces de mantener el equilibrio sobre una pierna en media punta con el tobillo alineado hacia delante sobre la articulación del dedo gordo. Esto significa que el tobillo no puede moverse mientras mantenemos el balance.

- Flexibilidad: del tobillo, pie y metatarsianos para permitir una buena distribución del peso sobre los dedos del pie dentro de la zapatilla de punta.

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12 verdades sobre ser un bailarín profesional

1. Bailar es duro. Ningún bailarín se ha vuelto famoso únicamente por sus talentos innatos. Los bailarines son artistas y atletas. Hoy en día el mundo del ballet se asemeja a un deporte extremo. Se debe trabajar duro y perseverar. Los bailarines dan muchos años de su vida ademas de sudor, lágrimas y a veces sangre para tener el honor y placer de bailar en el escenario.

2. No siempre se consigue lo que se quiere. No siempre conseguimos el rol que queremos bailar, mantenernos en equilibrio cuando queremos, conseguir el trabajo que queremos, escuchar los elogios que queremos, hacer el dinero que queremos, ver a las empresas funcionar de la manera que queremos, etc. Esto nos enseña humildad y respecto por el proceso, la forma de arte y los maestros que hemos escogido para aprender. Cuanto más rápido se acepta esto, más rápido podremos seguir adelante con ser brillantes. Nunca estaremos 100% seguros de si funcionará o no, pero siempre se puede estar 100% seguro de que no hacer nada tampoco funciona.

3. Hay muchas cosas que no sabemos. Todos los días se aprende algo nuevo. Incluso nuestros maestros, coreógrafos y directores menos favoritos pueden enseñarnos algo. En el momento en que pensamos que lo sabemos todo, dejamos de ser un activo valioso.

4. Hay muchas cosas que no podemos controlar. No puedes controlar quién te contrata, quién te despide, quién gusta y quién no gusta de tu trabajo, las políticas de la compañía. No desperdicies tu talento y energía preocupándote por cosas que no puedes controlar. Céntrate en perfeccionar tu arte siendo el mejor bailarín que puedes ser. Mantén una mente abierta y una actitud positiva.

5. El conocimiento no lo es todo. El conocimiento viene de la experiencia. Podemos ver un vídeo cien veces, ir a clases 1000 veces, pero a menos que no salgamos del salón de clases y bailemos en el escenario no tendremos una compresión filosófica de lo que significa bailar. Busca oportunidades para bailar distintos roles. Se debe experimentar el bailar en un escenario de primera mano para llamarse uno mismo bailarín profesional.

6. Si quiere tener éxito demuestre que es valioso. La forma más rápida de ser despedido de un trabajo es demostrarle al jefe que no eres valioso. En vez, sé indispensable. Llegue temprano, aprenda distintos roles, siempre esté preparado, mantén tus opiniones para ti mismo a menos que te sean solicitadas y, sobre todo, esté dispuesto a trabajar duro.

7. Otra persona siempre será mejor que tú. Ya se trate de puestos de trabajo, dinero, roles o trofeos, no tiene importancia. En lugar de quedar atrapado en el drama acerca de los demás, céntrate en lo que haces bien, lo que necesitas trabajar y lo que te hace feliz.

8. No se puede cambiar el pasado. Todos tenemos un pasado. Todos hemos cometido errores y todos tenemos momentos gloriosos que queremos saborear. La danza es una forma de arte que nos obliga a concentrarnos en el presente. Para ser profesionales tenemos que estar concentrados, en el momento en que la mente se distrae, ocurren las lesiones.

9. Siempre habrá gente a la que no le gustes. Los bailarines están expuestos al público cuando bailan y especialmente en Internet donde los "críticos" abundan. No se puede ser todo para todos. No importa lo que hagas, siempre habrá alguien que piensa diferente. Así que a concentrarse en hacer lo que usted sabe en su interior que es lo correcto. Lo que otros piensan y dicen de ti no es tan importante. Lo que es importante es cómo te sientes sobre ti mismo.

10. A veces fallarás. A pesar de nuestros mejores esfuerzos, seguir los mejores consejos, estar en el lugar correcto en el momento correcto, igual fallamos. Fracasar es parte de la vida. El fracaso puede ser el catalizador para algunos de nuestros mayores crecimientos y experiencias de aprendizaje. Si nunca hemos fallado, nunca hemos valorado nuestros éxitos. Debes estar dispuesto a fallar. Cuando te pase, aprovecha la lección que viene con el fracaso.

11. Repetir es bueno. Hacer lo mismo una y otra vez esperando un resultado diferente es una locura. Si sigues haciendo lo que estás haciendo, seguirás consiguiendo lo que estás consiguiendo. Si sigues haciendo el mínimo de clases requeridas no te quejes de tu maestro cuando te quedes estancado en el mismo nivel. Si sólo haces como mínimo una barra en la compañía, sé feliz manteniéndote en el cuerpo de baile. Si quieres crecer más allá de tu zona de confort, debes empujarte más allá de tus limitaciones auto-impuestas.

12. Nunca te sentirás 100% listo. Nadie se siente 100% listo cuando la oportunidad se presenta. Los bailarines tienen que estar dispuestos a asumir riesgos. De soltar la barra para mantener el balance, de viajar por el mundo para bailar con una nueva compañía, de confiar de un nuevo partner para probar una nueva forma de danza, los bailarines deben tener una mente y actitud flexible, así como el cuerpo. Las mejores oportunidades en la vida nos obligan a crecer más allá de nuestra zona de comodidad, lo que significa que nunca debemos sentirnos cómodos o listos.

Vía: http://balletpages.blogspot.com

Los bailarines son genéticamente diferentes a los "civiles"

La danza ha sido poco estudiada desde la neurociencia o desde la perspectiva genética, a pesar de su importancia en todas las culturas a lo largo de los siglos. La danza, como la música, es una actividad que data de la prehistoria que a veces era un ritual sagrado, una forma de comunicación, y en ocasiones una importante actividad social y de cortejo; finalmente, la danza es una forma de arte que existe en todas las culturas y se manifiesta de diferentes maneras. La danza, como una forma de arte expresivo se considera creativa especialmente cuando se compara con otros campos "no artísticos". También es una forma cultural que resulta de los diversos procesos creativos que manejan los cuerpos humanos en el espacio y el tiempo. Los bailarines profesionales poseen un talento excepcional resultante de las interacciones entre el comportamiento dirigido a un objetivo y procesos de percepción del cerebro que aun no han sido completamente caracterizados y entendidos por los campos de la psicología y la neurociencia cognitiva.

La danza puede parecer un fenotipo inusual para estudios de genética molecular humana, pero no es mas que dos fenotipos estrechamente relacionados: la música y el rendimiento deportivo. Tanto la música como el rendimiento deportivo son fenotipos complejos, cuya presentación esta moldeada por la interacción entre el medio ambiente y los genes. Se sugiere la idea de que la "danza" como fenotipo no es mas difícil de definir, sin embargo, los bailarines deben cumplir una serie de criterios con validez aparente considerable que los identifican: la flexibilidad, la agilidad, la coordinación, la gracia, el sentido del ritmo, un sentimiento por la música, y una capacidad creativa para expresarse a través del movimiento.

Se considera que la vasopresina podría contribuir al fenotipo de la danza, lo que refleja el papel de este gen en los comportamiento afiliativos, sociales y de cortejo, actividades vitales en muchas clases de danza. Bailar también se sirve de los recursos humanos espirituales como lo demuestra el papel de la danza en los ritos sagrados, se ha desmostrado que la serotonina juega un papel importante en la vivencia espiritual. Finalmente, muchos estudios muestran que la serotonina aumenta la liberación de vasopresina en el cerebro, lo que sugiere la idea de que estos genes son propensos a exhibir interacciones gen-gen. Curiosamente, la serotonina y la vasopresina interactuan en el hipotálamo para controlar el comportamiento comunicativo.

PERFIL DE UN BAILARÍN(A) CLÁSICO

Si quieres ser un(a) bailarín(a) clásico(a), los hechos pueden ser algo desalentadores. Un(a) bailarín a) profesional debe tener una estatura promedio mínima  ellas de 1.60 m. de altura y ellos de 1.75 m., ser delgado(a) y ágil  tener una relación miembros-torso perfecta, un cuello largo, una cabeza pequeña y empeines arqueados a la perfección.

Físicamente es necesario tener cierta flexibilidad o elasticidad muscular de manera natural; aunque cabe destacar que si se inicia el entrenamiento desde edades tempranas, muchas de esas condiciones, el/la bailarín(a) las adquirirá conforme a su desarrollo físico y técnico  Así mismo, debe poseer una gran coordinación y dominio de su cuerpo, un gran sentido del ritmo y del espacio, un oído musical muy fino, entre otros muchos aspectos que van diseñando a un(a) bailarín(a).

Por otro lado, no solo el aspecto físico es esencial para un(a) bailarín(a), para lograr enfrentarse ante un público debe ser capaz de soportar grandes presiones, desde el momento en que ensaya una variación hasta el momento en que la presenta en un escenario.

Debe tener gran fuerza de voluntad, querer siempre ir más lejos, no ser conformista y exigirse cada vez más y más, la constancia es su arma más importante.

Para lograr una comunicación con el público y transmitir el mensaje de su arte, el/la bailarín a) debe poseer grandes facultades histriónicas; es decir, ser un poco actor o actriz, para poder proyectarse y lograr que el espectador se estremezca hasta las fibras.